FUCKFASHION. El consumo produce ceguera.

FUCKFASHION Karmen Stoppel

IDEA Y CONCEPTO I :
Carmen Stoppel

PROYECTO
TITULO: FUCKFASHION

Se trata de una obra muy personal, el tema de la moda es algo que me interesa mucho y a la cual estoy muy cercana. Como la mayoría de nosotros ya que nos es impuesta socialmente, la forma de vestirnos nos clasifica en diferentes ámbitos sociales y juzgamos y somos juzgados por los demás debido a esto. Este juicio nos afecta inconscientemente a veces.

Me gustaría comentar brevemente diferentes aspectos que nos afectan y están ligados al mundo de la moda y la estética.

1_Estereotipos: En su uso moderno, un estereotipo es una imagen mental muy simplificada y con pocos detalles acerca de un grupo de gente que comparte ciertas cualidades características (o estereotípicas) y habilidades. El término se usa muchas veces en un sentido negativo, considerándose que estos son creencias ilógicas que sólo se pueden cambiar mediante la educación.
Los estereotipos más comunes del pasado incluían una amplia variedad de alegaciones sobre diversos grupos raciales y predicciones de comportamiento basadas en el estatus social o la riqueza.
En la literatura y el ARTE los estereotipos son clichés o personajes o situaciones predecibles.


2_Consumo:

El interés que despierta el estudio del consumo nos obliga a examinar distintas posturas, diversos análisis y, sobre todo, adentrarnos en las diferentes épocas divididas para un rastreo más profundo. Cuando pensamos en consumo parece que nuestra atención debería centrarse en los trabajos de los publicistas o quizá en los investigadores de mercado que intentan buscar nuevas vías donde colocar los productos en el eterno circuito comercial. La sociología ha querido participar de este proceso, como así lo han hecho la psicología o la propia historia.
El consumo se convirtió en un concepto cada vez más importante para la sociología y para la teoría social, especialmente durante los ochenta, formando parte de un debate más amplio sobre la postmodernidad, de un análisis cada vez más crítico e intenso sobre la influencia de las prácticas sociales y culturales asociadas a la ideología del consumo moderno. Los sociólogos se centraron en el consumo como actividad social, más que como actividad económica asociada a variables como oferta o demanda, producción o capital.
Zambullirse en esta temática es dejarse tentar por teorías interesantes, por observaciones agudas que nos trasmiten la realidad económica, social o política que nos van a ayudar a contextualizarla. De hecho, muchos autores han destacado la necesidad de entender las actividades económicas y de consumo dentro de su propio contexto cultural como es el caso Marx o Max Weber:
Las actividades económicas como la búsqueda racional de beneficios y vendiendo artículos para el mercado, así como los deseos y la habilidad del consumidos para adquirir los bienes y servicios que suministra el capitalismo moderno, tienen lugar en un contexto sociocultural más amplio. Max Weber

Etapas y análisis del consumo a través del mensaje publicitario: La moda en la mujer (ropa y complementos)

El progreso de la moda anterior a la segunda mitad del siglo XIX ha sido muy lento, excepto en el período de la Revolución Francesa. Esta relativa estabilidad se debió al carácter institucional de las diversas formas de vestido que representaban las diferencias entre las clases sociales. A partir de la segunda revolución industrial, la moda se convierte en una meta a conseguir, un producto que fascina, un ingrediente más que sirve para distinguirse de los otros, un objeto más de consumo.
La moda ha suscitado todo género de comentarios, estudios, análisis, interpretaciones...ha generado formas de comportamiento potenciando unos u otros valores según la época. En realidad la moda no deja de ser un fenómeno complejo. A través de ella se pueden ver las costumbres y mentalidades de un pueblo, sus prejuicios o la ideología dominante.
Ha despertado, asimismo, odios y pasiones y muchos han opinado sobre su implantación, su desarrollo y sus tendencias. Algunos autores como Dante o Boccaccio ya utilizaron la moda para criticar la vanidad. Igualmente Kant la calificó como género de imitación fundado sobre la vanidad aunque reconoció su función social. Spencer fue más explícito, descubriendo en ella la forma de imitación colectiva típica del sentido de identificación de sí mismo con los otros, innato en una comunidad. Simmel o Veblen consideraron la moda como la posibilidad de dotar de carácter a un grupo, como institución social moderna que responde a la división de clases. Veblen va un poco más lejos, habla de moda vinculándola al consumo superfluo e inmotivado, prueba de la emancipación psicológica de la clase alta.
Con el desarrollo de los procesos industriales, la moda adquiere un valor. Se desenvuelve como bien de consumo. De su consideración de “bien de lujo” se pasa a una percepción de la moda como bien accesible. Vestirse es un bien de primera necesidad. Lo que la moda va a traer consigo nos obliga a abandonar esta definición pero no a alejarnos demasiado. El consumo de moda, así como de otros productos, ha llegado a unos limites que para muchos, realmente vestirse a la moda puede convertirse en un bien necesario. No abandono mi primera definición: ir a la moda es hoy en día un bien de lujo, asequible para muchos bolsillos, pero un bien del que podríamos prescindir si no fuera por la presión de las industrias de moda y publicitaria.
El consumo depende cada vez más del deseo, no de la necesidad. Aunque una y otra, en ocasiones, se utilizan para justificarse, cada vez están más lejos las bases de la necesidades que justifican los deseos.

El consumo supone una parte esencial del proceso mediante el cual los niños se introducen en la cultura capitalista occidental y en un sistema simbólico de significados. La ropa, los juguetes forman parte de las primeras experiencias de consumo de los niños pequeños en las sociedades occidentales. Freud denominó a estas etapas “las fases del desarrollo psico-sexual”. Para el padre del psicoanálisis, el consumo esta vinculado a lo erótico, a los deseos sexuales infantiles. Los primeros estratos infantiles de emoción y sentimientos persisten en los consumidores adultos, porque permanecen en el inconsciente y pueden ser activados por la publicidad.



El consumo de élite

Esta etapa se centra en los primeros años del siglo XX. El modelo de consumo que va a predominar va a estar restringido a un grupo concreto de la sociedad: La élite.
Se empiezan a dar pequeños pasos hacia el consumo más consciente gracias al desarrollo - todavía muy limitado – de las primeras industrias, a un despertar de lo que luego será el arrollador capitalismo. Tímidamente se observa la expansión de bienes y servicios que encontrarán el primer obstáculo en la crisis de 1929 y, posteriormente, en la cruel guerra civil que paralizará el desarrollo del país, en todos los aspectos, durante muchos años.
La publicidad aparece fuertemente ideologizada. La moda está condicionada a la forma de vida que deben llevar las mujeres. No sólo debe de ser elegante también tiene que adecuarse a las buenas costumbres.

3_El consumo “de moda” en la actualidad. La importancia de la publicidad

La moda en estos últimos años ha adquirido una importancia de grandes magnitudes. La publicidad ha contribuido enormemente en este sentido hasta provocar un verdadero consumismo alrededor de las prendas de vestir. Consumismo que se ha hecho extensible a los hombres. Hoy encontramos infinidad de revistas de moda, que venden moda, supervisan moda, generan moda...imágenes que nos venden felicidad, bienestar...la publicidad vende estabilidad y facilidad para las relaciones sociales...
La extensión de los anuncios publicitarios de este tipo de mercancía se ha incrementado en las últimas décadas. Y lo ha hecho ante el aumento intensivo de consumo de todo tipo de moda.
El aumento del consumo de moda llega cargado de fuertes contenidos y mensajes emocionales. El simbolismo de las imágenes entra directamente en la retina del potencial comprador porque espera obtener el éxito que promete el anuncio. El mensaje suele ser directo, se personaliza o se apela a las épocas de antaño, donde todo era más sencillo y más feliz.


Todo vale en esta vorágine de consumismo. Las técnicas de venta se convierten en una carrera contra reloj para no quedarse atrás. Encontramos publicidad en las marquesinas de las calles - grandes anuncios de moda para no quedarnos atrás si queremos ser “más felices” este verano - y en las vallas publicitarias, en las autopistas...Y las técnicas son distintas. Vale todo, desde el mensaje individualizado hasta la mera presentación de la marca, el precio y el lugar donde puedes adquirirlo , la marca sigue siendo importante pero igualmente el soporte donde aparece la publicidad ya es garantía de cierta calidad. Se insertan mensajes publicitarios de moda en diferentes medios.

4_Estereotipos de la mujer:


En los últimos veinte años los comerciales de televisión se han esparcido a través de todo el mundo. Desde el comienzo, los medios de publicidad han distorsionado y utilizado la imagen de la mujer de distintas formas, en especial los comerciales de televisión. Las distintas agencias de publicidad a fin de lograr atraer a la mayor cantidad de consumidores han manipulado a su conveniencia la imagen de la mujer. De esta forma los estereotipos que existen sobre la mujer son trasmitidos día a día por televisión y se encargan de acentuar unos rasgos negativos que no representan lo que es el género femenino, excepto en la mente de los varones que perpetúan como algo natural esos estereotipos.




FUCKFASHION es el titulo de mi obra porque creo que transmite un mensaje claro al receptor, resume mi opinión sobre la moda y los estereotipos que se nos marcan desde antaño, los cuales nos afectan a todos queramos o no ya que nos bombardean con publicidad en TV , revistas, periódicos y todo tipo de publicidad a diario.


-Preproyecto:

La obra la llevare a cabo de forma manual. Se trata de confeccionar un traje en el que quiero transmitir mi opinión personal sobre la moda y los estereotipos.
La moda hace que varíe el gusto de la sociedad y que seamos sometida a la atenta mirada de lo que nos rodea para que nos parezcamos lo mas posible al resto, todo lo que no se parezca a estos estereotipos no es bello.
En este traje que quiero mostrar dos aspectos del cuerpo femenino que se contraponen, la extrema delgadez y la obesidad o un cuerpo el cual no corresponde con los estereotipos que nos marca la sociedad, ambos son incómodos ya que no nos mostramos conformes con ninguno de ellos , porque la sociedad continuamente nos recuerda que no es bello.

MATERIALES:

- los materiales que voy a utilizar principalmente serà tela,y goma espuma, papel o retales de tela para rellenar el traje.
Primero realizare unas plantillas para saber exactamente cuales son las piezas de este traje y evitar errores.
Este traje estará hecho para una persona muy delgada (mujer) y adaptado a esta.


El Proyecto Puede ir variando según se me ocurran ideas nuevas pero siempre con el mismo tema y titulo de la obra.



Proyecto definitivo:

Se trata de una serie de fotografías realizadas en interior , la idea es hacerlas en un ambiente hogareño realizando las labores de la casa, acción que por desgracia desde antaño siempre se han considerado acciones de la mujer, como por ejemplo seria la de cocinar y limpiar, y ala vez también resaltar a una mujer estereotipada, bella, perfecta, vestida de una forma irónica con los corsés que voy a confeccionar y que para nada concuerdan con la imagen real que podamos tener de una ama de casa habitual.
Con estas fotografías se contraponen dos aspectos que nos afectan dia a dia a las mujeres aunque las cosas ya están cambiando; la idea es representar a la mujer perfecta, moderna, fashion y al misma vez a una mujer de su casa, realizando las labores de manera irónica y desordenada utilizando los electrodomésticos de forma que no tengan mucha relación con el lugar en el que se encuentran, haciendo burla a los estereotipos que se nos marcan.


Los corsés que voy a confeccionar aluden directamente al cuerpo femenino:
Un corsé es una prenda utilizada para estilizar y moldear de una forma deseada por razones estéticas o médicas, puede ser mientras se lleva o por un tiempo posterior.

En los últimos años, muchas prendas son vendidas como corsés cuando, técnicamente, no lo son. Los corsés actuales generalmente están hechos de encaje similares a los de antaño, pero apenas alteran la figura del que lo lleva. Así mismo, el termino corsé ha sido dado por la industria de la moda para referirse a “tops” que imitan a los corsés antiguos, como en la cultura gótica. En realidad, los corsés deben ser realizados a medida, para una única persona. En este caso mis corsés también lo son, una imitación a los corsés antiguos, que hacen referencia al cuerpo femenino, que también son una forma de estilizar el cuerpo femenino y disimular los defectos.
El uso más común y conocido es el adelgazar la silueta y hacerla más atractiva. En las mujeres su uso es más frecuente para resaltar las curvas, reduciendo la cintura y marcando busto y cadera. Aunque en otras épocas, los corsés se han llevado para moldear una figura sin formas, reduciendo pecho y caderas. Sin embargo, los hombres han llevado generalmente para adelgazar
Principalmente los corsés se dividen en los grupos, los que comienzan por encima del pecho, y los que empiezan por debajo. Algunos terminan en la cadera, en algunos escasos casos, terminan en las rodillas. Un tipo de corsé más pequeño es que solamente cubre la cadera, desde el final de las costillas hasta el comienzo de la pierna. Pueden llevar ligueros para sujetar las medias o sujetarlas con un cinturón para tal fin.



CORSES:

Realizare 3 corsés, uno para cada una de mis modelos:

Corsé nº1: cubre el pecho y llega hasta el principio de la pierna. Será de color azul y blanco, con detalles de colores para hacerlo mas fashion.
Corsé nº2 y nº3: los 2 resaltan las formas del pecho, diseñado específicamente para las modelos y a medida. Uno tiene varillas de madera y el otro de cartón duro.








Corsés que resaltan el pecho y estiliza la silueta.





Corsé azul reductor de pecho y estiliza la silueta.




Con este trabajo lo que pretendo es hacer una critica a esta sociedad consumista, la cual nos impone como debemos de ser, siempre basándose en unos estereotipos y haciéndonos creer que con estos alcanzaremos la felicidad.



LATAS DE CONSERVA:

De forma genérica, se llama lata a todo envase metálico. La lata es un envase opaco y resistente que resulta adecuado para envasar líquidos y productos en conserva. Los materiales de fabricación más habituales son la hojalata y el aluminio.

Conserva alimenticia es el resultado del proceso de manipulación de los alimentos de tal forma que sea posible preservarlos en las mejores condiciones posibles durante un largo periodo de tiempo, el objetivo final de la conserva es mantener los alimentos preservados de la acción de microorganismos capaces de modificar las condiciones sanitarias y de sabor de los alimentos. El periodo de tiempo que se mantienen los alimentos en conserva es muy superior al que tendrían si la conserva no existiese.

Para mi la lata de conserva es cercana a la mujer ya que siempre se las ha relacionado con la cocina como tarea exclusivamente femenina aunque actualmente esto ya no sea así, pero lo relaciono con mi trabajo de una forma irónica, haciendo alusión a los estereotipos que se nos marcan en televisión y sobretodo en las revistas de moda, en las que las mujeres parece que no pasan de edad,” hoy más que nunca, deseamos mantenernos jóvenes por mucho tiempo. Y aunque los cambios en nuestro organismo son evidentes e inevitables con el paso del tiempo, no tenemos por qué resignarnos a que los años causen estragos en nuestro cuerpo”, estas son algunas estrategias publicitarias para vender productos de estética.
En esta lata se ofrece ser la mujer mas deseada, la belleza y felicidad máxima. Algo muy tentador y que todos en algún momento de nuestra vida desearíamos.

Pruebas para etiquetas:










Etiqueta delantera


Etiqueta trasera






VIDEO:

En este video se mostrará a la misma mujer de las fotografías y las latas de conserva, contraponiendo dos ideas; un mundo imaginario y artificial con el real y el que se vive dia a dia aunque no sea de manera tan provocadora como en el video ,pero si de otras muchas.

APUNTES Y DOCUMENTACION LITERARIA Y FOTOGRAFICA TOMADA DE:

Libro: Decadas de la Moda. Gettyimagenes 1100_1914.
Cuerpo femenino con muchas cuevas, peinados entubados y cuerpos encorsetados que aunque hoy en dia nos parezcan deformados en esta época era la silueta femenina ideal.
Las damas debían de salir de casa con sombrero y sombrilla.
1935_ Aparece también el aparato de ejercicio físico, donde se trabaja de una manera muy peculiar la zona abdominal.
1995_ Aparece el corsé de madera en la pasarela de Hussein Chalayan en Londres.
1999_ A.F Vandervorst.

Libros: Tokviin Yoshioko. Desing Phaidon.
Arte contemporáneo sobre el cuerpo y la utilización de los diferentes materiales.

Catalogo: Francis Montesinos 1972_2003.
Catalogo Carmen pag. 148_149.(ideas interesantes para trajes de tela caídos).
Catalogo: Donna Karah. NEW YORK_ UNIVERSO DE LA MODA.



BIBLIOGRAFIA:

-Srac y king. Diseño para revistas. Pasos para conseguir el mejor diseño. Ed.GG

- Historia de la educación y de la lectura en españa 1472_1914
Fundación Germán Sanchez Rupiérez. Diseño de catalogos y folletos.

-Claude Lachanche_Boulé. Fotografías y fotomontajes. Ed:G

-Jose Luis León. Los efectos de la publicidad. Ed: Ariel.

-Fotografía: Japhanese Graphics .NOW. Eds. Gisela Kozak & Julius Wiedeman. Ed: Tashen.

-Como preparar diseños para imprenta. Lynn Jhon Edit: 99.

-Alonso I.E.; Conde F., (1994): La historia del consumo en España. Una aproximación a sus orígenes y primer desarrollo. Debate. Madrid.

-Arribas Macho J.M., (1994): “Antecedentes de la sociedad de consumo en España: de la Dictadura de Primo de Rivera a la II República”. Política y sociedad nº16. Madrid.

-Bocock R., (1993): El consumo. Talasa. Madrid.

-Otero L., (1999): La sección femenina. EDAF Ediciones. Madrid.

-Rico L., (1998): T.V., Fábrica de mentiras. Espasa bolsillo. Madrid.
-Toscano O., (1996): Adiós a la publicidad. Omega. Barcelona.
-VV.AA. (1971): Enciclopedia SALVAT para todos. Tomo 9. Salvat ediciones. Pamplona.
_ documentación en diferentes catálogos de moda y paginas de internét.

_pelicula : Pequeña mis Sunshine

_paginas wep: Foro de anorexicas Ana Mia





































FUCKFASHION Karmen Stoppel

FUCKFASHION Karmen Stoppel

Etiquetas para latas de CONSERVA:

ORTEGA Y GASSET y ROBERT HUGHES

LA DESHUMANIZACIÓN DEL ARTE



Autor: Ortega y Gasset
Articulo : La deshumanización del arte
Revista de Occidente en Alianza Editorial , colección editada por Paulino Garragoni, ediciòn numero 10.
Edición de mayo, 1976.



Este articulo esta formado por diferentes apartados; en general Ortega y Gasset muestra la relación con la literatura de su tiempo, sobretodo la generación del 27, y las primeras vanguardias. La importancia del arte y la estética de su filosofía, presentada además, de un modo claro en el estrecho lazo que los une con las teorías de la técnica y de la vida en general. El mismo articulo lo divide en diferentes apartados los cuales va tratando independientemente siempre ablando del mismo tema desde su modo de ver mas personal, explicando la filosofía en la que se apoyaron los literatos vanguardistas de la Europa de los años 20 y 30. Ortega, como escribió Ramón Gómez de la Serna, era el filósofo que comprendía a los poetas, los cuales va comparando durante todo el articulo con los músicos y los pintores.

La impopularidad del arte nuevo, es el primer apartado dentro de este articulo que escribió Ortega y Gasset, donde nos habla de Guyau y su intento de estudiar el arte desde el punto de vista sociológico, lo que compara a estudiar al hombre por su sombra.
Los efectos del arte a primera vista son tan remotos de la esencia estética que no se ve bien como partiendo de ellos se puede uno adentrar en la intimidad de los estilos. La fecundidad de la sociología del arte le fue revelada cuando un día se le ocurrió escribir algo sobre una nueva pieza musical que empieza con Debussy, donde se proponía definir la diferencia entre el estilo nuevo y el tradicional. Nos habla de las artes que en la época aún tenían vigor en Europa, la música nueva, la pintura nueva, la nueva poesía y el nuevo teatro, comparando los valores estéticos del músico joven con los del pintor, el poeta y el dramaturgo. Afirma que el arte joven es impopular, y que el arte nuevo tiene y tendrá siempre a la masa en contra suya, es impopular por esencia la cual lo divide en dos porciones , una formada por un reducido numero de personas que son favorables, la minoría, y la mayoría, que le es hostil.
Ortega y Gasset nos cuenta que la mayora de la masa no entiende el arte joven o arte nuevo, el cual divide al publico en dos clases; los que entienden y los que no, cuando uno entiende la obra se siente superior a ella y cuando no la obra causa disgusto y una sensación de inferioridad. Por lo que el arte joven deja sentirse al burgués tal y como es buen Burgués “ente incapaz de sacramentos artistícos , ciego y sordo a toda belleza pura “ #. La masa se siente ofendida por el nuevo arte, privilegiado de aristocracia instintiva. El arte joven contribuye a que los mejores se conozcan y reconozcan.

Arte artístico ( segundo apartado del articulo ) Ortega y Gasset dice que el arte no es para una clase de hombres en general, sino para una particular, que puede valer también para los otros. Donde compara el gusto de la mayoría por ejemplo en la literatura donde se prefieren los dramas, amores , odios, penas… como si fuesen casos reales de la vida y en pintura lo que mas atrae son cuadros donde aparezca la figura humana, lo que quiere decir que para la mayoría el goce estético no es una actitud espiritual. Durante el S. XIX han producido impuramente, Según Ortega. G , reducían a un mínimo los elementos estéticos y hacían consistir la obra casi por completo a la ficción, por lo que para gozar de esto no hace falta tener sensibilidad artística sino humana. El arte nuevo es el “arte artístico” , es un hecho universal, el arte tradicional deja de interesar a los nuevos artistas.” Si se analiza el nuevo estilo se hayan tendencias conexas entre si, tiende 1º ala deshumanización del arte, 2º, a evitar las formas vivas, 3º, a hacer que la obra de arte sea obra de arte, 4º, a considerar el arte como juego, 5º, a una esencial ironía, 6º, a eludir toda falsedad, 7º, el arte para los jóvenes es una cosa sin transendéncia alguna.”#

Unas gotas de fenomenología (tercer apartado del articulo) Donde nos pone un ejemplo donde cuatro persona asisten a una escena mortal, donde mide la distancia espiritual de cada uno de ellos con el hecho. La mujer; la cual no esta en la escen asino dentro de ella ( la vive), el medico, parea el cual se trata de un caso profesional, lleva en ello alguna responsabilidad y podría peligrar su prestigio, desde el punto de vista del reportero, se aleja de la dolorosa realidad, se le obliga no intervenir debe limitarse haber, no lo vive sino que lo completa con la preocupación de tener que referirlo luego en sus lectores, y por ultimo el pintor, al cual le trae sin cuidado lo que pasa por allí , su actitud es contemplativa, solo atiende a lo exterior, luces , sombras y valores cromáticos. En esta escala los grados de proximidad equivalen a los de participación sentimental, y los de alejamiento se convierten en un puro tema de contemplación.
En la escala de realidades la realidad vivida es como “ la realidad por excelencia”, alo que también podríamos llamar realidad humana. El pintor que presencia la escena, impasible, parece “ inhumano”.

Comienza la deshumanización del arte

Rapidamente el arte joven ha tomado muchas direcciones diferentes entre unas producciones y otras. O. Gasset nos comenta que las diferencias particulares del arte joven le interesan poco y mucho menos cada obra singular.
Una nueva sensibilidad estética , la cual no se da solo en los artistas sino también el publico, representa lo genérico y característico de la nueva producción encontrando la tendencia de deshumanizar el arte.
El artista de 1860 se propone que su cuadro tenga el mismo aire y aspecto que tengan fuera de el , también pone otras muchas complicaciones estéticas pero lo mas importante es que se empieza a preocupar por ese parecido. Por otra parte en el cuadro reciente podríamos pensar que el pintor no ha conseguido plasmas el parecido, a lo que llaman “mal pintado”.Pero cualquiera de estos errores señalan el objeto “humano” . Lejos de ir el pintor hacia la realidad, se ve que ha ido contra ella, se a propuesto deformarla, romper el aspecto humano, deshumanizarla.
Tenemos que crear actos inéditos y figuras insólitas, esta vida inventada es precisamente la comprensión y el goce artístico, donde no faltan sentimientos, pasiones… pero esta claro que es muy diferente al la que cubre los paisajes de nuestra vida primaria. Para este resultado seria mas fácil prescindir de las formas humanas y construir figuras del todo originales. Tal vez la mas abstracta línea se basa en una tenaz reminiscencia de formas naturales. No se trata ve pintar solo algo a un hombre o naturaleza sino hacerlo de la forma que se parezca lo menos posible a esta.
La realidad es algo que persigue constantemente al artista para impedir que vea mas allá , cuando logra escapar por un instante a esta perpetua enseñanza vemos mal un gesto de soberbia.



Invitación a comprender. En la obra de arte preferida del ultimo siglo hay siempre algo de realidad, donde la operación se reduce a pulir el núcleo humano, el arte es el reflejo de la vida , es la naturaleza vista a través de un temperamento, nuestras convicciones mas arraigadas son las mas sospechosas , son las que crean ciertos limites, nuestra prisión. El horizonte es un órgano viviente de nuestro ser, mientras gozamos de plenitud emigra, se dilata, va al compás de nuestra respiración, pero si se fija es que se a anquilosado e ingresamos en la vejez. O. Gasset también nos dice que la percepción de la realidad vivida y la percepción de la forma artística son incompatibles por requerir una acomodación diferente en nuestro aparato perceptor, y un arte que nos proponga esa doble mirada será un arte bizco.
En todas las grandes épocas del arte te ha evitado que el centro de gravedad de la obra sea lo humano, y ese exclusivo realismo significa una monstruosidad sin ejemplo en la evolución estética, de donde aparece una nueva inspiración , aparentemente extravagante.
Si estilizar es deformar lo real, esto implica deshumanización, por otra parte el realismo invita al artista a seguir la forma de las cosas, les hace no tener estilo.



Sigue la deshumanización del arte. Los elementos que integran nuestro mundo habitual posee una jerarquía de tres rangos; el orden de las personas , seres vivos y las cosas inorgánicas.
La música fue la expresión de los sentimientos personales, que no compunge para gozar, llorar, angustiarnos… lo que es prevalecerse de la debilidad que tiene el hombre, la cual suele contagiarse el cual es una repercusión mecánica un efecto automático.
Es bastante discreto el juicio del artista joven, el placer estético tiene que ser inteligente. Todo lo que quiera ser espiritual y no mecánico habrá que poseer este carácter perspicaz, inteligente y motivado.
O. Gasset nos explica que ver es una acción a distancia. Y cada una de estas artes maneja un aparato proyector que aleja las cosas y las transfigura , cuando esto falta no sabemos sin vivir las cosas o contemplarlas. Ante las figuras de cera se siente algo peculiar, que nos impide adoptar una actitud clara y estable, compara la nueva sensibilidad que esta dominada por un asco muy parecido al que el hombre selecto ante las figuras de cera.
Tamabién nos habla de Mallamé, el primer hombre del siglo pasado que quiso ser poeta ,rehusando materiales naturales y componiendo pequeños objetos líricos, esta poesía no tiene nada humano por lo que no hay en ella nada patético. Nos presenta figuras tan extravagantes que mero contemplarlas es ya sumo placer. #

El tabú la metáfora.
La metáfora es la potencia mas fértil que posee el hombre. Las demás potencias nos mantienen inscritos dentro de lo real, facilita la evasión.
Es extraña en el hombre esa actividad mental, que suplanta una cosa por otra .
Un psicólogo e pregunto cual podía er el origen de la metáfora, y hayo que una de sus raíces podía estar en el espíritud del tabú. Hubo una época en la que el miedo fue la máxima inspiración del hombre, se siente la necesidad de evitar ciertas realidades.
El instrumento metafórico también puede emplearse con los fines mas deversos como por ejemplo enoblecér el objeto real. Se usaba de la imagen similar con intención decorativa.

Supra e infrarrealismo.
Hay inumerábles metáforas, el mas radical instrumento de deshumanización . Uno de ellos es el cambio de la perspectiva habitual.
Para satisfacer ese ansia de deshumanizar no es forzoso alternar las formas primarias de las cosas, el mejor ejemplo de cómo es extraer el realismo son Proust, Ramón Gomez de la Serna, Joice.

La vuelta del revés.
Al substantibarse la metáfora se hace protagonista de los destinos poéticos, la intención estética cambia de signo. Anteriormente te vertía la metáfora sobre la realidad. Ahora se procura eliminar el sostén extrapoéticos o real y se trata de realizar la metáfora.
La relación de nuestra mente con las cosas consiste en pensarlas. En rigor no poseemos de lo real sino de las ideas que de el hayamos logrado formarnos.
Decía Goethe , cada nuevo concepto es como un nuevo órgano que súrgue en nosotros, cosas, y el pensar es captar mediante ideas la realidad. Siempre hay una absoluta distancia entre la cosa y la idea. La tendencia natural nos hace creer que la realidad es lo que pensamos de ella, a confundirla con idea.
Pero en vez de dejarnos ir en esta dirección del propósito, lo invertimos, y volviéndonos de espaldas a la realidad las hacemos vivir como tales, habernos deshumanizado, des realizado éstas. Porque son irrealidad. No vamos de la mente al mundo, sino al revés.
El cuadro renunciando a emular la realidad , se convertía en lo que auténticamente es : un cuadro, una irrealidad. El expresionismo el cubismo… etc han sido intentos de verificar esta resolución , de pintar las cosas se ha pasado a pintar ideas.
Es ella un claro ejemplo de esa inversión del tema artístico que procura describir Ortega y Gasset, el intento de deshumanizar es clarísimo y la posibilidad de lograrlo queda probada.
Ya buscando el drama humano que la obra desvirtúa constantemente, retira e ironiza poniendo en su lugar la ficción teatral.

Iconoclasia.
A Ortega y Gasset no le parece expresivo afirmar que las artes plásticas del nuevo estilo han revelado un verdadero asco hacia las formas vivas. Pincel y cincel se deleitan en seguir la pauta que el modelo animal o vegetal presenta, donde la vitalidad palpita.
Todos los errores y estafas del cubismo no oscurecen el hecho de que nos hayamos complacido de su lenguaje y sus formas, se complica cuando recordamos que periódicamente atraviesa la historia esta furia de geometrísmo plástico, por ejemplo en el arte prehistórico comienzan buscando la forma viva y acaba por eludirla. A veces este asco a la forma viva se convierte en odio, produciendo conflictos públicos.
En el arte nuevo actúa un extraño sentimiento iconoclasta y su lema bien podría ser aquel mantenimiento de Porfirio.

Influencia negativa del pasado.
Ortega y Gasset intenta con este ensayo filiar el arte nuevo mediante algunos de sus rangos diferenciales. Se haya al servicio de una curiosidad que no se atreven a satisfacer, abandonando a su privada meditación.
Piensa que el arte y la ciencia son las actividades mas libres, son los primeros hechos donde puede vislumbrarse cualquier cambio de la sensibilidad colectiva. La sutileza de ambas materias las hace infinitamente dóciles al mas liguero soplo de los alisios espirituales.
No es fácil exagerar la influencia que sobre el futuro del arte tiene siempre su pasado, en el artista se produce un choque entre la sensibilidad original y el arte que se a hecho ya.
Se ha visto siempre en la obra de una época la voluntad de parecerse mas o menos a la época anterior ,pero parece costar trabajo advertir la influencia negativa del pasado y notar que un nuevo estilo esta formado por la consciente y complicada negación de los tradicionales.
Y no puede entenderse la trayectoria del arte si no se toma como factor del placer estético. Los estilos que se han ido sucediendo aumentaron la dosis de ingredientes negativos , hasta el punto que hoy el perfil del arte nuevo esta hecho casi con puras negociaciones del viejo.
Entre el artista que nace y el mundo se interponen cada vez mas volúmenes de estilos tradicionales interceptando la comunicación directa y original.
Lo que menos le gusta a los artistas de hoy es la manera predominante del siglo pasado, a pesar de que en ella hay ya una buena dosis de oposiciones a estilos mas antiguos . Agredir al arte pasado, tan en general es revolverse contar el Arte mismo.


Irónico destino.
El nuevo estilo consiste en eliminar los ingredientes humanos, demasiado humanos, y retener la materia artística. La contradicción es patente e impronta mucho subrayarla. Vendría a significar que el arte nuevo es un fenómeno de índole equivoca, equívocos son casi todos los grandes hechos de estos años en curso.
La contradicción entre el odio y el amor se suaviza mas de cerca la producción artística del día. En el arte cargado de humanidad repercutía el grave anejo de la vida. No puede menos de extrañar a quien para ello mientes en que la nueva inspiración es siempre cómica, que será mas o menos violenta, el contenido de la obra no es cómico. Piensan que la pintura y la música de los nuevos es pura farsa y no lo admiten que alguien vea en ella la misión radical del arte y su beneficio menester. Seria farsa si el artista actual pretendiese competir con el arte serio del pasado. Pero el artista de ahora nos invita a que un arte es una broma, la burla de si mismo, el arte nuevo ridiculiza el arte.
Nunca el arte mejor su mágico don como en esta burla de si mismo, su negación es su conservación y triunfo.
A principios del S XIX un grupo de románticos proclamo la ironía como la máxima categoría estética. Su misión es suscitar un irreal horizonte , para lograr esto hay que negar nuestra trealidad .
Queda nivelada la contradicción entre amor y odio, el rencor va al arte como seriedad , el amor al arte victorioso como farsa, que triunfa de todo, todas quedan burladas y hechas pura imagen.

La intranscendencia del arte.
El síntoma mas grave que presenta el arte joven, una fracción de la nueva sensibilidad estética que reclama alerta meditación , que es difícil formular justamente. El hecho no es que al artista le interese poco su obra y oficio, si no que le interesa porque no tiene una gran importancia.
Durante todo el siglo pasado la música y la poesía eran actividades de gran calibre , el arte era transcendente en un notable sentido, por su tema ( graves problemas de la humanidad) y también lo era por si mismo. O. Gasset piensa que a un artista de hoy le asustaría verse sumerguído con tan enorme misión y obligación. También nos comenta que el arte salva al hombre, porque le salva de la sensibilidad de la vida y suscita en el inesperada puericia.
El arte nuevo resulta comprensible y adquiere dosis de grandeza cuando se le interpreta como un ensáyo de crear puerilidad en un momento viejo. Otros estilos ponen en conexión los dramáticos movimientos sociales y políticos , corrientes filosóficas o religiosas. Pero el nuevo estilo , solicita lo contrario, ser cercano alo triunfo de los deportes y del juego.
El culto al cuerpo es eternamente síntoma de inspiración pueril, mientras el culto al espíritu indica voluntad de envejecimiento. El triunfo del deporte significa la victoria de los valores de la juventud sobre los valores de senectud. Lo propio acontece con el cinematógrafo, por excelencia, arte corporal. En su generación gozaba de gran prestigio las maneras de la vejez. Hoy los chicos se esfuerzan en prolongar la infancia.
El suceso no debe sorprender, la historia se mueve según grandes ritmos biológicos.
Es fácil notar la historia que se columpia rítmicamente del uno al otro polo, dejando que en una épocas predominen las calidades masculinas y en otras las femeninas o exaltando la índole juvenil y otras la de madurez o ancianidad.
Los caracteres del arte nuevo pueden resumirse en este de su intrascendencia, que consiste en haber cambiado el arte su colocación en la jerarquía de las preocupaciones o intereses humanos. Representarse como círculos concéntricos, cuyo radio mide la distancia dinámica al eje de nuestra vida. Las cosas de todo orden giran en orbitas atraídas por el centro cordial del sistema. Ortega y Gasset diría que el arte esta situado muy cerca del eje entusiasta , se ha desplazado a la periferia .Se a hecho distante, secundario y menos gravito. La aspiración del arte puro es gran modestia. Al vaciar el arte del patetismo humano queda sin pretensión alguna.


Conclusión.

Ortega y Gasset nos explica que puede ser que este articulo contenga errores, al terminarlo tenia curiosidad y esperanza de que tras ese te hagan otros mas certeros. Seria duplicar su error si se intentase corregir destacando solo algún rasgo parcial o incluido en la anatomía.
Le movió exclusivamente el intentar comprender, procurando buscar el sentido de los nuevos propósitos artísticos y esto , supone un estado de espíritu lleno de previa benevolencia. Diría que el arte nuevo no a producido aun nada que merezca la pena de las cuales a procurado extraerse su intención, cualesquiera que sean sus errores
Hay un punto inconmovible en esta nueva posición, el no poder volver atrás.



Ortega y gasset:
- Principales teorias Perspectivismo y la razón vital e historica.
- Historicismo : Nació en alemania , defiende que la historia es el elemento mas importante para los seres humanos.
- Desarrolla el raciovitalismo : teoría que funda el conocimiento de la teoría humana como la realidad radical, componente = a la propia razón.
-Perspectivismo : percepción e ideación subjetiva , la verdad absoluta es la suma de las perspectivas individuales, que por eso son verdades parciales . La verdad absoluta residia en la que llamamos DIOS.
-La deshumanización del arte : 1929, alude al arte y a la pintura de Vanguardias , surge despùes de la 1ªGuerra Mundial.
-Vanguardia : Representada por la generación del 27 ; Luis Gernuda, FºGarcia Lorca , Jorgue Guillen, Rafael Alberti y Vicent Alexandre.
-Ortega y Gasset :
-Conceptúa la nueva estética como “arte para minorias”.
-Literatura refinada de evasión que no save asimilar el vulgo.
-Provocante:
-El arte sin ser humano es algo inconcevible.
-Se consideran las teorías de Ortega y Gasset como método valido para el análisis del nuevo arte y por otro lado juzgan sus teorías como impresionistas , poco claras y discutibles.
-El mayor problema que tiene es que nunca llega a definir que se entiende por “arte Nuevo”, si no que lo da por generalmente admitido con una posición mas cronista que crítica o filosófica. Apartir de las características de esa nueva estética , querian clasificar a la gente por las que tienen esa sensibilidad y los que no.
Subralla una diferencia que considera básica, desde el punto de vista del receptor , entre la nueva y la vieja poética artística.
Antes, nos dice , que al público le podia gustar una obra o no, `pero la entendia, en cambio en el “arte nuevo” no se trata de que a la malloria le guste la obra joven , si no que la masa no la entiende.

- Dirigido a una masa específica.
-No hay una representación del ser humano.
-¿ Genera Odio? Porque la masa no lo entiende y por eso es rechazado.
-Distingue entre el buen gusto y el mal gusto.
-El arte moderno es antipopular porque no es entendido por la malloria.

In-popular = no es popular.
Anti-popular = tiene a la masa encontra.






ROBERT HUGHES :

Escritor y critico del arte australiano.Se instaló en Nueva York en 1970 y desde entonces ejerció como crítico del arte en la revista Times.
Recibió el premio Brusi de la literatura y comunicación por la olompiada cultural de Barcelona.
-Con ideas muy provocadoras.
-La enseñanza del Arte : “ No hay tirania comparable a la tiranía de la obra de arte no vista” tenian escuelas de arte que les enseñaban a hacer Cezannes pero sus museos no tenian Cezannes autenticos.



1.EL IMPACTO DE LO NUEVO
INTRODUCCIÓN:

El impacto de lo nuevo presta poca atención a la escultura fuera de la obra de Brancusi, Picasso, y algo de los constructivistas. Nos muestra una larga lista de artistas, pero pintores muy importantes como Vuillard, Hans Hofmann y Balthus fueron omitidos. Los ocho capítulos de este libro siguen al pie de la letra las ocho emisiones de la serie de TV para la BBC, con la diferencia de que el libro ha tenido la suerte de durar diez años mas que la serie. Enfatiza el contenido del arte forzando en un marco narrativo unas imágenes concebidas para ser vistas de otra manera e imponiéndole el tiempo rápido de la televisión al tiempo lento de la pintura y la escultura, dejando en un segundo plano superficies, detalles, texturas … ya que la verdad mas cabal del arte esta en los museos, libros galerías y no cabe en una pantalla.


1. EL PARAISO DE LO MECANICO:
Este capitulo abarca aproximadamente desde 1880 hasta 1914, donde se nos presenta el contexto de las vanguardias clásicas y nos muestra una primera visión del modernismo y el arte, periodo entusiasta y dinámico donde se empezaban a ver los grandes cambios del siglo XX.
Plantea la relación con el siglo XIX entre la Torre Eiffel y la Estatua de la Libertad de los Estados Unidos, con Edison y Ford como guìas de la nueva era tecnológica y democrática .Revisa así algunos símbolos del mundo moderno como el maquinismo, los regimenes autoritarios, la asimilación de la cultura popular o la conciencia de la posguerra. El lenguaje visual se replantea en la nueva sociedad y algunos artistas empiezan a interpretar a técnica una fuente de inspiración, una mística revolucionaria o una filosofía. La imaginación se representa con nuevos códigos visuales y así se redefine los espacios pictóricos, se desarrollan nuevos medios de expresión (la fotografía , el collage o el cine ) y los carteles o rótulos , como nuevos campos de lo visual.
Aparecen las nuevas vanguardias ,aunque ya habían sido anticipadas desde el siglo anterior, el Cubismo fue la mayor transgresión occidental desde el siglo XIV, la supresión de las leyes de la perspectiva supone la ruptura de varios siglos de esfuerzo por conducir las imágenes hacia un único punto de vista, que Picasso decidió destruir con Las señoritas de Aviñón, con este cuadro Picasso logró abrir una fisura del sólido concepto del arte que había hasta entonces, donde empezó a parodiar el arte Africano, donde las deformaciones del cuerpo y rostro no eran deformaciones expresionistas sino formas convencionales, Picasso mira sus mascaras como emblemas del salvajismo ,de violencia transferida a la esfera de la cultura.
A partir de aquí muchos se sumsrian a este esfuerzo de renovación y para esto hizo falta derrocar la perspectiva. Y así es como Robert Hughes entendió la obra de Cezanne, artista analfabeto que pretendió esquematizar la realidad sin perspectivas así ya suponía un primer paso hacia la descomposición de las cosas según su punto de vista.
La fascinación por las rarezas desde principios de la Edad Moderna había sido una dominante de los ambientes intelectuales europeos los “gabinetes de curiosidades”. El museo ofrecía a los jóvenes desamparados una ingeniería radicalmente desconocida, distinta y sin explorar: la talla africana, un ingrediente experimental como el arte de otras culturas, el cual Picasso y Braque a su punto culminante el gran interés que Francia mostró por lo lejano, lo desconocido, lo exótico y primitivo.
Una de las características del movimiento de la vanguardia son en su mayoría de origen “plebeyo” y están contagiadas de algo mas cotidiano ya esa por su contenido filosófico o por la imaginería popular. Otro artista influido por el popularismo y cubismo fue Fernand Leger, cuya obra fue una sostenida confesión de esperanza modernista, un arte didáctico para el hombre de la calle, no muy refinado pero de entendimiento despejado. Pinto a sus compañeros de armas ,como si fueran autómatas hechos de tubos ,cilindros y acoplamientos mecánicos , le interesaba de la maquina su adaptabilidad al organismo.
A esta lectura geométrica del cubismo podría oponerse Robert Delaunay que ha venido a llamarse un “cubismo lírico” que tiene algo del espíritu vitalista del impresionismo.
Robert Hughes también hace una reflexión sobre la vejez prematura del arte moderno, pero es en el Futurismo donde mejor vemos lo obsoleto de algunos planteamientos que alguna vez fueron revolucionarios. Pero aun así aun se nos quedan pendientes algunas cuestiones debatibles como la posición del espectador respecto a la obra (“en el futuro, deberá situarse en el centro de la obra”#).
Hay otras inquietudes del futurismo que aun no nos han dejado, como el lugar simbólico entre la maquina y el hombre y su carácter sexual ( “La fille nèe sans mère”#), con el que junto a Picabia también gira el pensamiento de Duchamp, y no se
encuentra lejos de la interpretación de Giger, artista de los 80.


2. LAS CARAS DEL PODER :
En el origen de las vanguardias podemos ver un animo revolucionario y anti burgués el cual no es casual. Si el panorama del maquinismo utópico se había venido a bajo en solo unas décadas, las primeras décadas del S XX apenas dieron tiempo a reaccionar. La loma de Warlencourt, eses cerrillo fue símbolo de una obsesión , defendido por artilleros alemanes e mas tarde Británicos. La primera Guerra Mundial cambio la vida de las palabras y las imágenes en el arte, radicalmente y para siempre. La Europa de la posguerra confió al estado la defensa de los individuos y las fuerzas políticas no desaprobecharon la oportunidad, la primera mitad del Siglo XX fue la época en que la la influencia del Sistema sobre la gente se hizo mas manifiesta y refinada.
Hubo algo que caracterizo a los artistas de la posguerra fue su rechazo hacia el militarismo y o fanatismo.
El origen del Cabaret Voltaire, vivero de las primeras experiencias del dadà , esta en reuniones de insatisfechos , intelectuales y testigos de esa guerra. Donde se ejecutaba públicamente la falsa moralidad, nombre con el que se conocería esta Vanguardia critica, eran el Futurismo y un vago regusto del individualismo romántico. Donde están algunas ideas que se reclaman en el arte posterior, como la pobreza de medios, la espontaneidad, el cosmopolitismo y el interés por la basura que luego encontramos en el underground. Uno de los pioneros de este arte fue Kurt Schwitters, constructor de autenticas babeles de escultura, sus composiciones eran modestas en dimensiones, confeccionadas a partir de una “paleta de objetos” amorosamente seleccionados entre los desperdicios urbanos, inspirados en el modelo cubista-constructivista.
También estuvo presente esa aceptación del mundo de lo no artístico dentro del arte, y una propia critica del papel del arte y de la sociedad, en este sentido podemos entender la obra de Marcel Duchamp “L.H.O.O.Q.”con un grosero titulo, “ella tiene el culo cachondo”.
El dada de Zurich se volvió muy critico, la lógica absurda y pintoresca del dadaísmo no podía encajar muy bien en la sociedad crispada de la primera posguerra. Por lo que las obras de algunos artistas iban un paso mas allá de la destrucción del aparato simbólico del arte querían mostrar sus propios temas, intenciones y recursos.
El uso agresivo del fotomontaje se verificó en la cosmovisión de John Heartfield, el fotomontaje desarrolla un tipo de verdad que la pintura no es capaz de expresar, pero la mas dotada política y estéticamente fue una mujer Hannah Höch ( trabajo en pequeño formato y casi nunca por reducción ).Los dadaístas alemanes contaban con la herencia del expresionismo, que señalo el camino lucido en una sociedad opresiva.
Mas al este los aires de la revolución rusa recién fraguada se mezclan con los esfuerzos de una generación de artistas rupturistas que proyectaron en un nuevo pais algunas innovadores ideas que habían surgido en Occidente, en forma de propaganda revolucionaria ,de espiritualidad mística. Las fantasías de Malèvich asumían un tono ingenuánte didáctico, Lenin y Lunacharsky (creian en una propaganda monumental), la Bauhaus de Rusia era la escuela de arte mas moderna del mundo y el centro ideológico del constructivismo ruso.
Sin embargo no todos los movimientos de renovación venían de los movimientos de izquierdas. En Italia el impulso de Marinetti y otros desembarco en el futurismo, estilo oficial del fascismo italiano en los años que siguieron a la marcha sobre Roma de Mussolini. Encontraron eco en los demás movimientos de la vanguardia y asentaron un precedente muy importante para toda la política posterior : el activismo y la movilización y el sombrío esplendor de todas las paradas fascistas, Hitler quería las figuras estatales mas grandiosas, el edificio fascista que mejor reúne ese diseño para expresar la centralización del poder es (“el palacio de la Civilización Italiana en la EUR”#), En los años 20 y 30 pocas obras quedaron como resultado de una subjetividad ajena a las formas de rechazo y apología, algunos artistas, a diferencia de los de nuestra época, pensaban que podían hacerse obras de arte que salvasen vidas (un poco ingenuo por su parte).


3.EL PAISAJE DEL PLACER :
“No es el mundo tal como es sino como nuestros sedientos sentidos quieren que sea”#
La tradición de la pintura paisajística como subgénero se había ido reafirmando desde el renacimiento, y babía sido la principal preocupación de los artistas revolucionarios del Siglo XIX, se dilato el arte hedonista, Talleyrand que quien no había vivido la Revolución Francesa no conocía la dulzura de la vida ( para los ricos esa era la verdad absoluta).Los pintores de la segunda mitad del siglo reactualizáron el genero, aplicando sobre el espacio de la naturaleza los iconos de la nueva sociedad burguesa. La obra de Seurat era la mezcla entre Ingres y las teorías de Chevreul , Seurat creo el “puntillismo“, con unos toques de pincel tan diminutos que se redujeron a puntos.
La figura de Claude Monet se presenta como su antitesis, en el cual el estudio y el juego óptico impresionista se convierte en una practica de sensibilidad, buscando la abstracción, el color, su teme no era una vista si no el acto de ver esa vista. La explosión cromática de esta época se debe a muchos factores como a los precedentes del romanticismo y el expresionismo. Cezanne organiza la dialéctica de la forma y del color , con obras colmadas de decisión pictórica , sus ultimas acuarelas forman la parte mas alegre de su trabajo , con una técnica rápida y que registran aspectos que con el óleo no se ven. La parte de Paul Gaugin pertenece a la parte del siglo XIX ya que compartía con Van Gogh un cierto tono de predicador, aunque ninguno fueron modelos de la ética burguesa.
El fauvismo fue desarrollado por un pequeño numero de artistas en tres años, al cabo de unos años el expresionismo alemán adoptaría la agresividad del colorido fauvista. Henri Matisse era su eje ,la liberación del color fue en gran parte obra suya, con la base de la madurez de su actividad creadora .Noland y Morris Louis se interesaron en la atmosfera de esta época, cuya obra fue caracterizada como precedente del pop. Según Robert Hughes solo dos autores encajan en la sensibilidad matisseana, Motherwell, por su sentido meditativo de la pintura y Diebenkorn ,por su energía cromática , su interés por el color y su papier-collé.
Según Hughes elo fin de ese paraíso Burgués del siglo XIX, que les había llevado a dar la buelta al mundo, quedo reflejado en un collage de Motherwell, (“sus collages son menos pop que los papi Herz-collès cubistas“, “la utopia nunca tuvo lugar su fuente fue mucho mas dura”#)


4. LOS PROBLEMAS DE LA UTOPÍA :
El siglo XX supuso la conclusión del paraíso burgués en la tierra y el final de otra creencia no menos extendida; la fe en la utopia. Que se manifestó sobre todo en la arquitectura de principios del siglo , los edificios son el arte dentro del cual vivimos, el cual Hughes atribuye aun perfeccionamiento de nuevos materiales y a una aceleración en la construcción gracias a las maquinarias. En realidad, y pensando en los proyectos de Boullé podemos pensar que la necesidad de proyectar no conduce a la construcción y que la mayoría de los proyectos suelen se colosales estructuras publicas con vistas a un escaso uso real. Uno de los principales motivos que movía a estos arquitectos era conseguir una arquitectura de igualdad, que equilibrase el espacio entre mármoles y ladrillos. Compartían la fe en la maquina y en cierto animo renovador, pero también tenían ciertas ingenuidades, como creer que la vivienda proyectada podía actuar como un factor “moralizante” sobre sus habitantes. Loos dedica algunas reflexiones de carácter economizador que parecen haber recibido hay en día con atención. A esto opina la sociedad futurista que estaba mucho mas cerca de la “metrópolis” de Lang, pero que nunca fue mas que una maqueta. Aun así era America donde se daban las condiciones idóneas para la nueva arquitectura; por el ritmo siempre creciente de la ocupación del suelo y la ocupación laboral. Reuniendo todos los requisitos ejemplifica America como la ciudad moderna, mientras que en Europa a parecen apenas algunos proyectos de menor envergadura. Sullivan resolvió la composición del ventanaje a partir de estructuras, el ascensor y el uso del hormigón armado facilitaron a los arquitectos posibilidades inauditas. Pero el vidrio plano fue el principal protagonista de los nuevos edificios. Hay otras criticas que Hughes hace a esta arquitectura “ideal”; el aspecto fanático de alguno de sus ejecutores, las necesidades del lugar o el contexto del edificio. La arquitectura prismática había llegado a Europa, e iba a desarrollarse de diferentes formas .Quizás el conocimiento de esa primitiva internacionalización fue a lo que llevo a Gropius a adoptar el nombre de Bauhaus, y el fermento filosófico de la escuela condujo a la formación de la primera estética del siglo, el rumbo de la arquitectura posterior, se beneficio del diseño aplicado su filosofía hizo mas que dignificar la obra de diseñadores modernistas, también tenían una intensa relación con la industria, todas sus creaciones(muebles etc) formaban parte del edificio en si. Según Hughes; cuando uno ha visto el Broadway Boogie Woogie, la vista de las calles cambia para siempre :
“En parte, es sin duda , porque el espacio del arte es el espacio ideal para la ficción. En este ámbito las cosas no se usan nunca se pudren; uno no puede caminar por un cuadro de la misma forma que camina por la calle o dentro de un edificio. Los cuadros son incorruptibles. Son los rudimentos reales del paraíso, los bloques de un sistema que no tiene ninguna relación con nuestros cuerpos ,excepto a través de la percepción óptica del color.”#.Hughes termina este capitulo con la reflexión del valor de la utopia en la realidad y en el arte, aquellos utópicos proyectos sobre el papel mostraban un animo extraordinariamente receptivo de la sociedad hacia el arte.





5.EL UMBRAL DE LA LIBERTAD :
“ El deseo de la libertad absoluta es una de las constantes de la vida intelectual y de todos los movimientos artísticos de nuestro siglo.”#
Los avances tecnológicos llegaron rápidamente , pero aun así hay artistas que buscan la libertad en el lado mas irracional y sensorial de la mente. Se combina el espíritud anárquico del dada con un desprecio sarcástico por el lenguaje convencional del arte. El psicoanálisis y Giorgio de Chirico habían tomado una mirada alucinada que convertía la realidad en un material en potencia. Recogían el concepto de “ locura “ que se forjo en el romanticismo, para inventarse a un nuevo artista ( obsesivo observador del lenguaje ,el mundo y la realidad). Esta vida surrealista es la que de alguna manera intentaron de llevar los primeros escritores, pintores, escultores del primer grupo. Destacaban intensamente a la burguesía y sus usos, aunque la mayoría eran conservadores .El espacio se aleja vertiginosamente de los hojosa del espectador, en la sucesión de arcos y perspectivas terrenales, eses estiramiento entra en contradicción con el aplanamiento y comprensión de los cubistas, muchas de las imágenes de la iconografía de Chirico son reales, lo que mas se admiro en el surrealismo de Chirico fueron los extraños encuentros entre objetos, hizo que el sueño pareciera real , con las que “resume la belleza extravagante nacida de los diversos encuentros entre la palabra , el sonido , la imagen y la persona”#.A partir de 1918 su obra cambio se monologó desde el punto de vista surrealista, y el grupo surrealista recibió su primer artista permanente, Max Ernst ( con sus collages dadaístas ) y también injertó su técnica de collage en las obras de Chirico , donde resultaron las iconografías mas raras de la fantasía del arte moderno. Apareció otro de los rasgos característicos del surrealismo : el apropiacionaísmo , de imágenes sacadas de contexto, desvinculadas a su entorno natural y de la propia realidad “reconstruida“. Otros artistas profesionales llevaron el surrealismo mas allá de la parodia. Así de una Barcelona modernista que había educado Picasso y Gaudí vino también Joan Miró, el otro gran pintor surrealista, Dalí , pertenencia de lleno al surrealismo con un entusiasmo tan brillante como arriesgado y con una estética donde la naturaleza deja de ser un refugio de voluptuosidad para adaptarse a una estética mecánica. La ciudad producía su propia naturaleza, objetos sobre los que habla Man Ray, uno de sus objetos mas conocidos fue un metrónomo con el grabado de un ojo atravesado en su péndulo invertido . Magritte desemboca en su obra el sentido mas irónico del surrealismo, el comentario de su obra se extiende mucho por Hughes quizás porque su obra esta mas dirigida a ser comentada a ser disfrutada. El cual se a interpretado posteriormente como uno de los precedentes del arte conceptual, con obras como “ La traición de las imágenes”#. También es muy interesante la obra de Hans Bellmer, que retoma el ideal sexual surrealista, el maniquí, y lo dota de un carácter propio y vicioso. Con una idea de la mujer que podía reflejarse en el psicoanálisis de mujeres de carne y hueso de cambios de siglo. El exilio forzado de la guerra traslado el eje artístico de París a Nueva York, y comienzan a fraguarse artistas de la talla de Cornell, Pollock o Gorky .


6.LA VISIÓN DEL VACÍO :
La interacción entre el mundo y el espíritu , la relación contradictoria entre la naturaleza y la civilización supuso un cambio en el lugar del hombre en el mundo. El primer artista en ofrecer el paisaje con esta visión descarnada fue Van Gogh ( al que Hughes dedica barias paginas en este capitulo ) su relación con Munch es mas que meramente formal , es de índole espiritual por lo que es razonable la influencia que estos artistas ejercieron mas tarde sobre la creación artística. Un obsesivo sentimiento común se prevelíca a toda Europa, y se cruza con este tema moderno que es la calle, este tema no era apropiado para las artes plásticas, sino también para las atmósferas intelectuales , que reunían , pintores, escritores, escultores y pensadores en las tertulias de los Cafés de toda Europa. La primera Guerra Mundial hizo que muchos murieran en los campos de batalla, sobre 1919 el clamor de los artistas contra la situación general se hizo potente. Tras la segunda guerra el panorama artístico había cambiado totalmente y el arte Norteamericano dejara anticuada a toda obra de la preguerra. Hughes retoma en Alemania algunas abstracciones surrealistas que habían surgido allí durante la época ( las primeras décadas del siglo). Kandinsky muestra unas de las obras mas relevantes, junto a Klee presenta todo un redescubrimiento para la pintura de la posguerra, temática domestica, inocencia primitiva y las búsqueda de las fisuras del lenguaje pictórico. Pero sin duda Mark Rothko fue el artista mas completo de la escuela neoyorquina , con un valor casi “teológico” como replica del expresionismo norteamericano, su pintura podría ser un elogio al silencio; “Paciencia, paciencia , paciencia en el azúl .Cada átomo de silencio es la posibilidad de una fruta madura”#. En el arte americano se crea asi una barreara entre el Pop Art y la dimensión espiritual de la pintura.


7. LA CULTURA COMO NATURALEZA:
En 1950 fue cuando se dieron cuenta que el mayor crecimiento estaban en las tiendas , los productos se habían convertido en la mayor demostración de poder de la maquina y habían llegado a reemplazar la naturaleza en algunos aspectos. Hughes explica la diferencia entre la estética y la lectura visual, y explica el arte pop como una rápida industrialización. Es una visión mas o menos convencional de estructuras de cubismo y futurismo la estética de Joseph Stella, “ Batalla de luces”# y Charles Demuch “Yo vi el numero 5 en oro”#. El primer artista propiamente Pop fue Stuart Davis , que había traído de Paris su inquietud por los objetos domésticos cubistas. Rauschemberg recupero la estrategia cubista de merz. Sus propuestas dieron la forma de lo que pudo ser el arte contemporáneo. Hughes presenta a Duchamp como el contrario Jasper Johns, quien apareció como uno de los observadores mas sutiles de las imágenes mas comunes. Estas nuevas imágenes de la sociedad de consumo se transformarían en sagradas por obras de artistas como Hamilton, Rosenquist, Lighrestein y Andy Warhol. La influencia de la televisión también fue algo que respaldo la rápida expansión de esta nueva forma de ver el arte.

8. EL FRUTO QUE FUE :
En este capitulo Hughes resume las décadas del arte después de los años 60 y 70 . El enfrentamiento entre el arte Pop y arte maintream , con esto llego el discurso de las minorias y también el fin de las Vanguardias. Se situó al Museo como la estructura cultural mas importante, y se le devolvía la actividad que todos los artistas de la vanguardia reprochaban no tener. Estos museos para Hughes habían resucitado el significado del arte como ríto burgués y cultural. Esto hizo que se tuviese una visión distinta de las obras de arte. La educación universitaria y los programas educativos tampoco estaban libres de pensamientos , llego un momento en el que “el arte de opinión” había chocado con el concepto de “ideal” de arte que existía desde el siglo XV. Courbet fue el primer artista vanguardista según Hughes . La aparición de una elite se debió a la educación de un publico del arte de la Vanguardia. A finales de siglo se había roto el compromiso didáctico y la libertad de la que disfrutaba el artista también había supuesto el final entre el pacto del artista y el publico. No podían el intento de los artistas por cambiar la sociedad, y no lograron disiparar los temores de la época como el sida o el efecto invernadero .El autor se muestra bastante critico con esta época, el inventario que realiza sobre los autores pos modernistas es mas corto y prudente , citando la obra de Neil Jenny, Edward Kienholz ,como resultado de un bloqueo. Marcuse y Duchamp influidos por actitudes políticas. Stella, Scuyi, Riley o Marden, que se movían en el terreno de la abstracción. La década de los 80 supuso un retorno al arte bruto o del expresionismo, Hughes habla de Buey como conductor de esta corriente ( con influencia política y ecologista ) Kifer vuelve al tema de la guerra recurriendo a materiales pobres. El propósito con el que Hughes cierra el libro es escéptico por lo general, habla de la crisis y los avances artísticos.






OPINION RAZONADA.
CAPITULO I : EL PARAÍSO MECÁNICO.

Me parece muy acertado el planteamiento de Robert Hughes para abordar este capitulo siguiendo un orden cronológico, desde el ocaso del modernismo, la ebullición del idealismo, el triunfo del presente sobre el pasado el cual mostrara el poder del proceso. La modernización con la construcción de la torre Eiffel ( en francia) . Cuando las maquinas empezaron a simbolizar la conquista del proceso ( aspecto relativamente nuevo en 1880 y 1980 ), la cultura se reivindicaba a si misma con gran velocidad. Donde los primeros artistas en esbozar una respuesta a todo esto fueron los cubistas.
En el también hace referencia a artistas a los cuales el considera muy importantes ( y no cabe duda que no lo sean) , y también a otros que quizás no tanto, pero que también formaron parte del movimiento de esta época “del paraíso mecánico” haciendo sus aportaciones personales, las cuales podemos compartir o no , pero siempre estarán presentes en la Historia y forman parte de un progreso según mi opinión. Para mi este capitulo me ha supuesto el comienzo de un recorrido a través de la historia y los artistas mas destacados del arte del Siglo XX, según el punto de vista personal de Robert Hughes, el cual m parece muy elaborado y el cual comparto.










CARMEN STOPPEL

DAVID FREEDBERG

Este libro trata de la relación entre las personas y las imágenes a lo largo de la historia, resultado de un largo compromiso con ideas de la historia del arte en su forma tradicional que parece haber d3escuidado o expresado de mala manera.
No se trata de negar el papel condicionante del contexto, su libro no queria ser un estudio concreto de ninguno particular, deseaba entender las respuestas que le parecían recurrentes, le llamaban la atención las respuestas que se habían observado a lo largo de la historia y a través de las culturas, ya fueras “civilizadas” o “primitivas”, nadie se había ocupado de ellas , quizá un tema demasiado embarazoso sobre el que escribir, pero continuó encontrándoselas por azar y parecían estar constantemente representadas en lugares comunes y en metáforas.
Fredberg esperaba encontrar un nivel desde el que hablar de manera mas general, pero la dificultad estaba en no doblarse bajo el peso de sus propios límites descriptivos ni dejarse engañar por la interpretación de los testimonios escritos.
Para ocuparse correctamente del material que tenía en mente debía adentrarse correctamente en los campos de la antropometría y la filosofía, y la investigación sociológica se unía en determinado momento al método histórico, tarea inmensa y nada clara. Al final decidió que le mejor manera de proceder seria presentar algunas de las respuestas recurrentes que para el eran las mas emotivas.
La historia de las imágenes tiene su lugar en el cruce de estas disciplinas, pero la historia del arte no acude al punto de encuentro. Al exponer las pruebas las divisiones básicas debían de establecerse por clases de respuestas mas que por clases de imágenes, la ventaja de estudiar las actividades y conductas generalmente consideradas populares radica en la posivilidad de conocer los efectos sentidos por el espectador, los cuales son mas faciles de describir y analizar.
No se trata de una cuestion solamente entre lo “ popular” y lo “cultivado” si no entre lo “primitivo” y lo occidental, y ha tardado en contrastar la tendencia aún ampliamente difundida a creer que ciertas características tanto del arte como de las respuestas a el estan circunscritas a sociedades.
Lo que espera de este libro David Fredberg es que el material presentado suscite un enfoque mas crítico de una de las suposiciones mas frecuentes e irreflexivas que se hacen sobre el arte ; la creencia de que “ cuando vemos la obra de arte no permitimos que afloren las respuestas que el material de que está hecha o el tema tratado que se producen en nosotros rápidamente” . La meta ha sido producir terminos adecuados y establecer de que modos puede la teoría cognoscitiva nutrirse con los testimonios adoptados por la historia. El proyecto esta pensando para abarcar tanto imágenes figurativas, como no figurativas aun cuando la mayor parte de los ejemplos se refieran a las imágenes que representan cuerpos. Cuando utiliza la palabra “respuesta” se refiere a las manifestaciones de la relación que se establecen entre las imágenes y el espectador.
Los capítulos que siguen están concebidos para funcionar como ejemplificación, no por conceptos abstractos, con el objetivo de seguir la resonancia de los temas en cada capítulo sin intentar de ser exhaustivo.
Prefiriendo concentrarse en diversos fenómenos amplios sin dañar exclusivamente las distracciones y diferencias internas, fenómenos sorprendentes y a veces dramáticos, cada uno de los cuales proporciona material mas que suficiente para abundantes libros y estudios concretos.

CAPITULO : 1
EL PODER DE LAS IMÁGENES:

Al contemplar una imagen las personas se excitan , siempre han respondido así , en las sociedades primitivas y en las modernas. Pese a todo el esfuerzo por proporcionar una explicación causal, científica de esta creencia en el poder de los cuadros , cuando no completamente fantásticas. Las pinturas podían ser eficaces para servir de ejemplo, y esta era de hecho una de las funciones a la que se le atribuyó explícitamente a todas las imágenes religiosas, pero la fe en lo que las imágenes podían lograr es muy sorprendente, muchas de estas pinturas ya las conocemos por los museos, y nos recuerdan de manera vivida y directa la necesidad de prestar atención a todos los usos posibles de las imágenes y a todas las imágenes posibles . Su importancia reside en el hecho de aceptar como incuestionable el poder que ejercen las imágenes hasta el punto de creer que puedan afectar no solo de manera emocional si no de formas que tienen consecuencias de largo alcance en su manera posterior de comportarse.
El niño se recrea viendo figuras representadas en los cuadros porque son “ como el” y se sentiría atrapado por el parecido con las acciones y signos atractivos para la infancia. Además el problema de la identificación mas cuestiones han de señalarse en este punto: primera la incontestable ecuación de pintura con escultura, y segunda , la evidente creencia que la contemplación conduce primero a la imitación y luego a la elevación espiritual.
Se crearon hermandades que ofrecían consuelo a los condenados a muerte, y los instrumento de que se valían para consolar a estas personas eran pequeñas imágenes pintadas, en un lado la Pasion de Cristo y en el otro , un martirio. Dos miembros de la hermandad sostenían ante el rostro del condenado una de las pinturas durante todo el trayecto hasta el lugar donde se llevaba a cavo la sentencia. Podríamos pensar que todo el acto era inútil, que servia a los vivos mas que a los muertos, el condenado podía o no haber conseguido el propósito que se les atribuía, pero toda la institución se basaba en un juicio sobre la eficacia de las imágenes nacido en la creencia en su inevitable poder. Y no basta con aceptar como innegable esa creencia social ,pues muestra claramente que es el reflejo de una realidad cognoscitiva.
Merece la pena recordar que también puede hablarse de otras imágenes en relación con otras imágenes en relación con las funciones realizadas por las tabolette ,de artistas situados en diversos puntos de recorrido final antes de llegar al punto de ejecución, desde la celda del condenado a todo lo largo de la ruta y hasta en la horca misma se les enseñaban imágenes diferentes con la esperanza de que el aflitto recibiese. Las pinturas y las esculturas no pueden hacer hoy nada comparable por nosotros, debemos examinar mas a fondo el tema de la represión, estudiar con mas detalle las relaciones entre convenciones y creencias.
Son abundantes los testimonios históricos y etnográficos acerca del poder de las imágenes, esa eficacia se puede expresar sólo en términos de clichés y de convenciones , que cada vez desconocemos mas. Aún conserbados algunos , como la creencia de que, si un retrato es bueno sus hojos nos siguen por toda la habitación , pero también hemos perdido otros como que la imagen pintada de una persona bella y desnuda en el dormitorio mejorara de alguna manera el hijo que concibamos.
Los contextos han cambiado mucho, siempre devemos dejar el tema de la emoción y del comportamiento fuera del campo del conocimiento intelectual.
Desde los tiempos del Antiguo Testamento , gobernantes y pueblos gobernados en general han intentado desterrar las imágenes y atacado determinados cuadros y esculturas, por razones políticas y tecnológicas , ha destrozado obras que les provocaba ira y vergüenza. Es sorprendente lo aprensivos que han demostrado ser los historiadores del arte y las imágenes a la hora de evaluar las implicaciones que los grandes movimientos iconoclastas podían tener en sus estudios. Si regresamos a Giovanni Dominici , al pasaje que alude a la fabricación de las imágenes , el miedo a la idolatría quizá no hubiera persistido con tanto vigor . No podía haber un modo mas claro de hablar sobre el poder de las imágenes que no fuese estableciendo las necesarias distracciones, hoy codificadas con los términos za usuréanos de signo, significante y significado. Para escritores como Molano y el cardenal Paleotti, el peligro de las imágenes se originaba en una creencia del mismo tenor de la antedicha, se recomendaba no colocar en los dormitorios cuadros de personas de las cuales no se podía poseer el original, a todos estos escritores sus opiniones de las imágenes es la creencia tácita en que los cuerpos en ellas representados tienen en cierto modo el rango de cuerpos vivos. El cuerpo de la imagen nos da miedo.
En la Venus de Tiziano hay colores suntuosos y un trabajo pictorica, la imagen puede ser descrita de diferentes formas , una mas femenina basada en la forma, el color, la armonía de la imagen y otra mas masculina “ joven desnuda mira abiertamente al espectador, los rizados cabellos le caen sobre los hombros desnudos, tiene los pezones erectos, con la mano izquierda cubre sólo a medias los órganos genitales” , la sensualidad de la imagen había sido patente para muchos y bien puede continuar siéndolo.
Quizás queden muy pocos los que se sientan atraídos por la afanosa y libresca evasión de significados . Si entramos en una galería de pintura, suprimimos los elementos básicos de la cognición y del apetito. En ocasiones nos conmovemos hasta las lágrimas, pero el resto de las veces, cuando hablamos de un cuadro hablamos de un termino del color, la composición la expresión , el tratamiento del espacio y del movimiento.
Negamos o nos negamos a reconocer esos elementos de respuesta que la gente menos culta manifiesta con franqueza , no somos psicológicamente analíticos.
Sean cuales sean los placeres seductores de estas imágenes , nadie mantendría que la respuesta del espectador moderno tiende a ser igual, podemos argüir que la obviedad misma de la cuestión proporciona una evidencia suficiente, si es un plano de una mujer desnuda, salta a primer plano la propuesta sexual masculina. En segundo lugar, intuimos la plausibilidad de la lectura sexual, también la intuyen otras personas conocidas y conferimos al juicio validez intersubjetiva, en tercer lugar, recogemos datos de los espectadores y emprendemos una investigación sociológica. Pero necesitamos contar con modelos de conocimiento cultural y psicológico que nos ayuden a entender la variedad de modos de enseñanza en las escuelas.
Tomamos en cuenta las respuestas enemigas y las pautas de conducta que podemos discernir que conocemos por la gente que nos rodea , miramos formas mas cotidianas de imágenes o formas claras de uso histórico, a continuación buscamos modelos o contextos equivalentes.
Los espectadores modernos no responden a las pinturas del siglo XVI de la misma manera, el objetivo es tratar de armar las posibles respuestas y luego estudiar el porque las imágenes despiertan , provocan o producen determinadas respuestas y no otras, la forma muerta despierta conductas que se manifiestan de formas aparentemente similares y recirrentes. El análisis es complicado y difícil. Para comprender las relaciones en la pintura y los sentimientos sexuales de hombres y mujeres , hay que empezar por ubicarlas en contextos de una amplia variedad y de material relacionados con ellas.
Al considerar pinturas como los Cranach, también tomamos en cuenta los grabados eróticos de Sebald Belham y su círculo, la orientación general es posiblemente mas palpable que los grabados italianos y la mirada masculina queda atrapada incluso de manera mas directa. Vemos las primeras complejidades de análisis, puede ser que alguien alegue k estos grabados no solo son obras artísticas, pero esta no es la cuestión ya que suscitan respuestas que no debemos desestimar cuando analizamos obras que son aceptadas como arte.
Podría ser deseable establecer una distinción entre lo erótico y lo pornográfico , elaborando una escala de menos a mas. Pero aquí nos detenemos teniendo en cuenta la dificultad cada vez mayor que implica el refinamiento analítico.
La distinción erótico-pornográfica quizá solo sea real desde el punto de vista semántico , con frecuencia encontramos que lo sugestivo resulta más provocador. Quizás para los espectadores mas actuales la Venus de Urbino ya no resulte muy excitante, y esto también se debe a que las imágenes sexuales de hoy en día pueden llegar mucho mas lejos.
Pero hay que decir que tanto Giorgione como Tiziano sobrepasaron las convenciones normales de representación del desnudo vigentes de su época.
Continuamos en la creencia de que por mucho que intelectualicemos , todavía subsiste un nivel básico de la reacción que rebasa las fronteras históricas, sociales y otras de tipo contextual. En este nivel nuestra cognición de las imágenes se conecta con las de todos los hombres y mujeres, y este punto inmóvil el que buscamos.
El ámbito de la investigación abarca todas las imágenes visuales, la historia de las imágenes ocupa un lugar propio como disciplina central en un estudio de los hombres y las mujeres. Las diferencia es que podríamos sustituir la categoría de “experiencia estética” y que nuestra esfera de trabajo sobrepasa los límites de “las obras de arte” para abarcar todas las imágenes.





CARMEN STOPPEL