LARRY SHINER

LARRY SHINER:


Nos da una opinión muy personal sobre lo que el considera arte, y que no cualquier cosa se puede considerar como tal a la ligera.
Según Larry Shiner la aparición de tantos artefactos excéntricos , escrituras, ruidos y performaces, inspira el discurso que habla de la muerte del arte, la literatura y la música clásica.
Lo que le interesa es averiguar como se ha llegado a esta situación, investigando las ideas modernas y las instituciones de las bellas artes, algo que nosotros mismos hemos hecho.
Es muy probable que lo que algunos críticos temen o aplauden como la muerte del arte, de la literatura o de la música seria no sea sino el final de una determinada institución social cuyo origen se remota al S.XVIII.
En efecto igual que muchas otras cosas surgidas con la ilustración, la idea europea de las bellas artes se pensó como universal. Esta asimilación de actividades y los artefactos de todos los pueblos y las épocas pasadas a nuestras nociones vigentes durante tanto tiempo que se da por sentada la universalidad de la idea europea del arte.

LA GRAN DIVISIÓN:

Según los antiguos modos de penar, lo opuesto al arte humano no es la artesanía sino la naturaleza, el concepto se descompuso en la nueva categoría de bellas artes (poesía, arquitectura, pintura y música), en oposición de la artesanía y las artes populares. Se comenzó a hablar de bellas artes, materia de inspiración y de genio, y objeto de disfrute específico.
El siglo XIX abandono el uso del adjetivo ”bello” para referirse a las artes, se empezó a hablar solamente de arte. Con anterioridad al S.XVIII los términos “artista” y “artesano” se usaban indistintamente, no solo se aplicaba a los compositores y pintores , si no también a los zapateros, herreros, alquimistas y estudiantes de las artes liberales .
Se lleva a cavo una tercera división en el S XVIII, el placer en las artes se dividió en un placer especial, de las bellas artes y los placeres ordinarios. El placer refinado recibió un nuevo nombre, “estético”, como esta revolución conceptual se necesita cierto esfuerzo para apreciar la profundidad de la ruptura ocurrida, sustitución de todo un sistema de conceptos, practicas e ilustraciones. En lugar del museo de arte el siglo XVI y XVII había un gabinete de curiosidades donde se exponían conchas marinas , relojes, esculturas… La mayoría de los artesanos/artistas trabajaban por encargo. El propio Leonardo da Vinci firmo un contrato en el que especificaba como debía de pintar La Virgen de las Rocas. El trabajo artístico era a menudo una tarea cooperativa en la que intervenían muchas personas, tanto si se trataba de pintar frescos, escenificar producciones teatrales o tomar libremente prestadas melodías o armonías de otros compositores, pero el nuevo sistema de bellas artes estaba también vinculado a formar parte de relaciones de poder y de género de mayor alcance. Una de las creencias fundamentales del moderno sistema de arte ha sido siempre el que el dinero o la clase son irrelevantes para la creación y la apreciación del arte.
En cuanto a que el sistema del arte moderno siga siendo la norma establecida, la insistencia de las feministas en conseguir que las mujeres participen de las instituciones del arte sigue estando a la orden del día, no deben quedarse satisfechas con que se las acepte en el arte sino que deben reconocer que los propios supuestos del arte bello han sido influidos por las discriminaciones de genero desde comienzo y han de ser revisados en sus fundamentos según nos explica Larry Shiner.
El sistema moderno de las bellas artes ha dominado la cultura americana y europea desde principios del siglo XIX pero algunos artistas y críticos se han resistido a aceptar sus principios.
A pesar de todo el sistema moderno del arte ha conservado sus notas mas generales incluso en los gestos y escritos de quienes lo cuestionan. Para L.Shiner lo mas importante del arte es el sentimiento. El arte no es solamente un conjunto de conceptos e instrucciones sino que también algo en que las personas creen, un fuente de satisfacción, un objeto afectivo nos confiesa que el también es un amante de las artes, pero no pertenece al partido de los “hostiles” a la literatura, el arte o la música para explorar las raíces históricas de nuestras creencias como prelurio a representar los ideales y las instituciones vigentes.
La historia de fatal división de Larry Shiner plantea diferentes interrogantes y se divide en: la primera parte, “Antes de la distracción entre bellas artes y artesanía”, en la segunda parte, “El arte divino”, tercera parte, “Contracorrientes”, cuarta parte, “ La apoteosis del arte “ (que se completa con el relato de la construcción del sistema de las bellas artes mostrando como en el S.XIX alzó el arte a los valores mas elevados) , y en la quinta parte, “Mas allá de las bellas artes y la artesanía”. La mayor parte de los capítulos esta organizada entorno a los tres conceptos centrales y sus instituciones correspondientes: la categoría del arte, el ideal del artista y la experiencia de lo estético.

PALABRAS E INSTITUCIONES:

Para escribir este librose inspira en los ensayos de Paul Oskar Kristeller, donde se muestra que la categoría de las bellas artes no existía antes del siglo XVII. Ha escogido “sistema de arte” en lugar de la conocida noción “del mundo del arte” tiene un enfoque mas amplio, incluye diferentes mundos del arte y los submundos de la literatura, la música, la danza , el teatro, el cine y las artes visuales. El mundo del arte esta compuesto por artistas, críticos ,publico y otros, abarca los ideales y conceptos subyacentes compartidos por los distintos mundos del arte y por la cultura en general. Las pruebas linguísticas, intelectuales e institucionales de que a lo largo del S.XVIII tuvo lugar un giro que no se relaciona con un conjunto de hechos determinados por una fecha mágica a partir de la cual se puso en funcionamiento el moderno sistema del arte.
La pintura, escultura y la arquitectura y sus practicantes alcanzaron el nivel de “artes liberales” en Italia mucho antes que en el resto de Europa.
El uso ordinario del termino “arte” puede designar ya sea las artes visuales únicamente o las bellas artes como grupo.
La investigación de Larry Shiner se propone evitar las implicaciones reconfortantes negociándose a tratar el moderno sistema del arte como resultado de una invención inevitable. Cuando nos habla de invención no quiere decir que el moderno sistema de arte apareciera derrepente , pero si insiste en que hubo una ruptura entre el sistema premoderno del arte y este moderno sistema de las bellas artes no por ello pretende negar la existencia de continuidades.
Se pueden encontrar aspectos singulares de los ideales modernos del arte bello, el artista y lo estético, y dispersos entre muchos autores, pero estas ideas solo coagulan hasta componer un discurso regulativo y un sistema institucional a finales del S.XVIII. El moderno sistema de arte fue resultado de la conjunción de muchos factores que son de alcance general y desarrollo gradual ; otros mas restringidos e inmediatos ; algunos principalmente intelectuales y culturales ; otros sociales, políticos y económicos. Enfoca su ensayo en el análisis de las discontinuidades entre el viejo sistema del arte y el sistema de las bellas artes de épocas recientes relatando fielmente la evidencias, puede que sea util comparar su punto de vista co el de Arthur Danto, el cual escribe mas como filósofo que como historiador, no considera lo estético como parte de la esencia del arte si no solo como una visión meramente contingente, esta convencido de que la polaridad que separa el arte de la artesanía es eterna y universal aunque admite que la cultura occidental no se hizo cargo de la diferencia esencial entre el arte bello y la artesanía sino después del Renacimiento. Coincide con Danto en cuanto a que había un concepto de arte anterior al Siglo XVIII que permitía en hablar en términos de revolución. Para Danto pertenece a la esencia del arte el estar destinado a aquello en lo que se ha convertido y a su frase histórica ha terminado. La controvertida frase de Danto “ el fin del arte”, aunque puede sonar provocativa, simplemente significa el fin del arte que en cuanto que procura encontrar son propia esencia. Para Shiner si puede o no darse un tercer sistema del arte más allá del antiguo , al cual ya no podemos retornar y del moderno, que muchos luchan por superar.

LA IMAGEN EXALTADA DEL ARTISTA

La figura del artista fue cobrando una inmensa aura de espiritualidad a medida que la revolución industrial empujaba a los pintores, los músicos y los escritores a verse igualados al rango de asalariados.
Componer, escribir y pintar no eran simples profesiones sino las mas elevadas, las cuales requerían el tipo de sacrificio personal reservado antes que la religión. Pero ahora el arte en si es una creencia y el verdadero artista predicador es la religión eterna, según Larry Shiner.
Si se considera el lugar que la música instrumental ocupo en el siglo XIX, el modelo del artista en cuanto a modelo espiritual fue Beethoven y mas tarde Georges Bizet. Unos pocos escritores bromeaban acerca de las pretensiones proféticas mas exageradas , como Thackeray que se burlaba de los “escritorzuelos”, la clase media permanencia inmune a los altos vuelos de la llamada artística, y tendría a percibir a los pintores como trabajadores manuales, a los poetas, novelistas y músicos como productores de distracciones. Mas tarde muchos artistas tendieron a verse a si mismos como miembros de una subcultura especial, con sus propias instrucciones, círculos y convenciones. Ligada en el S.XIX ala idea del artista como genio de la imaginación creativa.
A pesar de la creencia en el poder supremo de la imaginación recibió sus expresiones mas variadas de la mano de los poetas y críticos románicos. Con independencia de los términos particulares a través de los que se expresan la fe e la imaginación creativa, esta se convirtió en un elemento central del ideal moderno del artista como genio. Las mujeres claramente creativas y artísticamente productivas las consideraban en este siglo como seres socialmente extraviados y como monstruos desde el punto de vista psicológico; “las mujeres” escribió Schopenhauer “ puede tener talentos dignos de atención, pero no genio, puesto que siempre se mantienen en la subjetividad”, John Rusking enfrenta el hombre como “el creador, el descubridor” y ala mujer ,cuyo “intelecto no esta hecho para la invención o la creación sino solo para la dulce obediencia”, también se argumentaba en esta época que el talento femenino solo era apto para tareas como el bordado, o para artes menores como la poesía domestica o la pintura de flores. Se contradecian por completo, sostenian estas ideas y defendían al mismo tiempo los aspectos femeninos de la creatividad, una mayor sensibilidad o la capacidad de sintonizar con los sentimientos ajenos. Las ideas se afianzaron entorno a la especulación medica ya alcanzaron algo parecido a la apoteosis en el notorio sexo y carácter de Otto Weininger de 1903, “el hombre de genio posee..la completa feminidad en si; pero la mujer es ella misma sólo una parte …la feminidad no puede nunca incluir el genio”.
A finales del s XIX empezó a aparecer el tipo de cultura de distintos niveles con el que estamos familiarizados ahora, empezó a surgir una creciente clase media con capacidad de adquirir cuadros y estatuas o reproducciones. La emergencia de diversos públicos del arte , implicaba una variedad de estilos y niveles de arte eran posibles. Los aspirantes a artistas del siglo XIX fundaron un discurso acerca del “espíritu contra el dinero” para explicar la falta de éxito.
Las mancomunidades de arte eran loterias organizadas por artistas en las que los premios eran cuadros, normalmente de escenas cotidianas, no es casualidad que se refieran al arte como una profesión , aunque hasta 1863 Gran Bretaña no declaro el arte como profesión por cuestiones de censo, Su opuesto en el S XIX fue la figura del “dandy” ( presumia de poseer una superioridad aristocratica recurriendo a una indumentaria extraña y actitudes públicas y estrabagantes ), pero la mayoria de los artistas ingleses no se podian permitir ser “dandys” y a pesar de todo la imagen del dandy y el bohemio se exportaron al resto de europa y Norteamérica no son componentes estructurales del moderno sistema del arte sino idiomas pintorescos de este. Otra pareja de estereotipos crecieron a la sombra del ideal de la independencia formados por el sufriente y el rebelde, los románticos tendian a asociar el rechazo y el sufrimiento artísticos con el destino del ” genio “. Pero la mayoría de los artistas , escritores y compositores solían tener vistas convencionales y perseguian el reconocimiento social, ekl ascenso economico y social de los escritores fue incluso fue mas contundente x la rápida expresión del mercado literario que apartir de ahí estuvo en condiciones de brindar fama a sir Walter Scott o Victor Hugo, pero la imagen del genio incomprendido y depreciado permanecio tan necesaria como siempre.
Paralelamente a las coloridas imágenes y poses , se estaban perfilando otra tradición que era deudora del viejo ideal del artesano/artista.
La complacencia en el trabajo duro fue un lugar común para muchos realistas del siglo XIX, y fue adoptada por muchos simbolistas y esteticistas , así tambien como por los primeros modernos.
Cuando revivieron una versión del arte por el arte a finales del siglo XIX los simbolistas en Francia y los esteticistas en Inglaterra, las noticis de la llamada espiritual del artista y de la autonomía del mismo ya eran un lugar común.
A principios del S XX la idea de la Vanguardia artística se había asimilado en la modernidad de sus diversas formas y a la creencia de que el arte , la música y la poesía más relevantes debían ser nuevos.

EL DESCANSO DEL ARTESANO

La imagen y el estatus del artista alcanzo nuevas cotas de altura en el S XIX, el la actualidad los historiadores describen un proceso mucho mas gradual, la desaparición de cientos de pequeños talleres era inexorable aunque para ello tuvo que transcurrir la mayor parte del siglo XIX. Los talleres tradicionales quedaron finalmente destruidos, habia una estricta jerarquia basada en la inventiva , el conocimiento y la destreza, cuyo conjunto formaba el “arte” y el “misterio” del oficio. Con frecuencia los maestros trabajaban junto a sus empleados , los aprendices practicaban todos los aspectos de la producción y el trabajador individual soli aver el procesos completo de un producto, desde su diseño hasta la realización final, el ritmo de trabajo variaba con la demanda, asi que tenian tiempo para descansos frecuentes y para charlar, la mayo`´ia del trabajo seguia haciéndose con herramientas manuales y mas adelante con la energía hidráulica y de vapor.
Ahora el maestro alfarero era empleado, y el incremento en el nivel de la fuerza del trabajo permitió una mayor división del trabajo, los propietarios mercantes empezaron a controlar la organización de la producción y la formación de los trabajadores.
A medida que loe métodos tradicionales fueron desplazados en la artesanía del cristal soplado , el tejido o la fabricación de zapatos, muchos artesanos quedaron reducidos a operarios.
En el siglo XIX , empezaron a necesitar las habilidades artisticas en muchas de las nuevas fábricas mecanizadas, necesitaban diseñadores, gente que pudiera intervenir en los pasos intermedios, aplicando lod diseños a la producción mecánica. Muy pronto esta demanda no pudo ser satisfecha únicamente con los trabajadores de pequeños talleres, y se produjo una extensa discusión en Gran Bretaña de cómo se podía proporcionad educación artística a los trabajadores, clases de dibujo y de Diseño en los nuevos institutos de mecánica y mas tarde en la creación de escuelas estatales de diseño, y aunque se trataba de una élite entre la mayoría de los trabajadores de las fabricas eran igualmente asalariados y su ritmo de trabajo, y encargos seguían estando sujetos a las ordenes del patrón.
En Estados Unidos, se separo bellas artes y artesanía y esto se vio reflejado en la organización interna de los museos , la pintura y la escultura tenían departamentos separados. Los artistas afianzados devian diseñar ocasionalmente para clientes privados o industriales, sin sacrificar con esto su imagen de creadores “geniales y libres”, mientras que la imagen del artesano estaba unida a la imitación, la dependencia, el comercio y ahora también a la fabrica.
A finales del siglo XIX , quienes consideraron que el arquitecto era principalmente un artista tomaron el hierro, el cristal y el hormigón como nuevas oportunidades para la expresión artística, muchos arquitectos hacían un uso creativo de estos nuevos materiales y así las artes de la construcción siguieron a las de la alfarería.

SILENCIOS: EL TRIUNFO DE LO ESTÉTICO.
EL APRENDIZAJE DE LA ACTITUD ESTÉTICA.

Los museos públicos empezaron a aparecer en 1870, el director de Metropolitan Museum de Nueva York podrían describir con orgullo el éxito de la vigilancia, de las advertencias y de unas pocas expulsiones, la educación para el arte, no era suficiente, el 1890 muchos museos norteamericanos todavía exhibían modelos de yeso de esculturas antiguas hasta que los retiraron después de que jóvenes comisarios y críticos argumentaron que solo las obras originales eran pertinentes en un museo. El primer objetivo era mantener “ un alto nivel estético”, normas de comportamiento similares al del teatro y de los conciertos, las obras de Shakespeare son las que se representaban con mas frecuencia y también eras las que mas cantidad de público reunían, las clases altas permanecían en la platea y en los palcos, empezaron a aparecer tensiones entre clases sociales y hacia la segunda mitad del siglo aparecieron en la mayoría de las ciudades norteamericanas teatros separados para actuaciones de “arte”, esta división también se produjo de una forma parecida en el ámbito de la música, otro sector de las clases altas que se jactaba de su propio conocimiento de la tradición sinfónica y prefería las interpretaciones fieles al texto del compositor de las salas de concierto.
Aunque también había otro tipo de conciertos, dirigidos a un amplio espectro formadas por clases medias y bajas , desarrolladas fuera de las sociedades corales del siglo XVIII y de los conciertos al aire libre, las divisiones sociales y culturales empezaron a estar cada vez mas firmemente establecidas. También existían los cafés musicales (lugares de encuentro de los amantes de este arte).
Incluso el público de las clase alta del siglo XIX tenía que ser “ aleccionado en el arte de escuchar” Ghoete y Theodore Thomas pedían silencio al publico durante sus conciertos e incluso llegaban a interrumpir a la orquesta.
En el ámbito de la literatura la lectura de las obras literarias de arte devia silenciarse el intrusivo ruido de la distracción o de las ideas políticas o morales , debían aprender a tener en cuenta solo las cualidades puramente estéticas. El artista y la estética estaban perfectamente establecidos en 1830.

EL ASCENSO DE LA ESTETICA Y EL DECLIEVE DE LA BELLEZA

Transcurrió mucho tiempo hasta que el termino estética se uso con regularidad fuera del contexto alemán en el que se había originado.
A finales del siglo pequeños grupos de intelectuales y de artistas transformaron la idea de estético, pasando de la noción de una facultad desinteresada para la experiencia de las bellas artes a un ideal de existencia. En cierto modo la “estilización” de la vida, era una simple extensión de la superioridad de la sensibilidad artística.
Desapareció casi por completo, a partir de 1950, la belleza como concepto central de la estética, interesados en la belleza, lo sublime, lo pintoresco y la novela. La belleza fue la única calificación para los mas altos logros artísticos, tenían ahora muchos rivales y lo sublime, era considerado como una experiencia aun mas profunda y poderosa que la de la belleza. Diversos artistas añadieron otros valores , lo grotesco, lo extraño y lo verdadero. Por otra parte, estaba demasiado confundido con las nociones cotidianas de lo “ bonito “, aún así la mayoría de los críticos y filósofos seguían usando lo bello como el termino para denominar el valor estético mas elevado y la estética misma solía definirse como la teoría de lo bello.

EL PROBLEMA DEL ARTE Y DE LA SOCIEDAD

Historiadores de la estética y los teóricos literarios tratan el problema del arte y de la sociedad, batalla entre quienes creían en el “arte por el arte” y quienes creían en la “responsabilidad social del arte”, este problema no recibió una atención tan considerable hasta Schiller, que se enfrento al problema del arte y porque no existía el concepto de Arte, solo hasta que las bellas artes fueron construidas como conjunto de disciplinas e instituciones especializadas que se deificaron como un espacio autónomo fue posible preguntarse por la función del dominio del Arte debía desempeñar en el seno de la sociedad, Schiller escribió “ el arte debe mantenerse totalmente al margen del mundo real “, muchos percibieron que el que el arte era algo totalmente ajeno a una sociedad cuyo impulso era el comercio y la industria, el arte había de es un refugio donde el espíritu humano pudiera vagar libremente.
En Francia poetas pintores y compositores siguieron comprometidos políticamente. La crisis del idealismo de 1848 y la represión política bloqueo el compromiso político de muchos artistas dejándolos relegados a las preocupaciones estrictamente relativas del arte, había una firme expansión de instituciones del arte, marchantes , críticos, comisarios y coleccionistas en el ámbito de la pintura.
Muchos de los primeros románticos expresaron su compromiso social y político a través de su obra, y nunca dudaron del alto valor social y moral del arte para reformar y embellecer una sociedad predominantemente utilitaria y materialista. En Gran Bretaña la tensión inherente, en cuanto a institución específica y su papel, como educador social y moral, empezó a ser cada vez menos reconocida. Ambas posiciones en este debate eran con frecuencia prisioneras de las mismas contraposiciones regulativas del arte, las formas extremas de ambas posiciones presuponen que el arte es un reino independiente que tiene una relación externa con el resto de la sociedad.

















CARMEN STOPPEL